10 meilleurs films au Festival international du film de Toronto 2021

La foule était partie — c’est la première chose que vous avez remarquée au Festival du film de Toronto de cette année. Normalement, au cours des 10 jours que dure ce rassemblement annuel de cinéphiles et de lookie-loos, vous trouverez des foules de gens à l’extérieur du Princess of Wales Theatre ou du Roy Thomson Hall, dans l’espoir d’apercevoir n’importe quelle star de cinéma. travaille le tapis rouge. Les files de détenteurs de billets qui serpentent autour du pâté de maisons étaient des MIA. Il y avait une barre latérale «Midnight Madness», mais pas de projections bruyantes de minuit au Ryerson. Il y avait de la presse, mais pas de salle de presse. Les projections étaient à mi-capacité ; tout comme les rues du centre-ville autrefois bondées un samedi soir. C’était un peu comme assister à un gala dans une ville fantôme.

Mais si le TIFF de cette année ressemblait un peu à une version plus calme et plus modeste du cirque qui vient dans cette métropole canadienne chaque mois de septembre, cela ressemblait toujours à un festival du film, où vous pouviez avoir une idée de l’endroit où soufflait le vent de la saison des récompenses. et continuez à trouver des découvertes cachées parmi les plus gros titres. À ce stade, même le cinéphile le plus fervent en a marre de compter les façons dont il a raté le frisson de s’asseoir dans le noir avec des inconnus, à regarder les ombres sur un mur. (C’est une vérité presque universellement reconnue que le plaisir de l’expérience théâtrale est une grande raison pour laquelle les films ont gardé leur attrait pendant si longtemps.) Et pourtant, être à nouveau dans un festival en personne et en profiter autant de ce que le médium offre – un échantillon global de comédies, de drames, de documentaires, de travaux expérimentaux et plusieurs entrées « sous un dossier non catégorisable » – était de ressentir une montée d’adrénaline qui semblait douloureusement familière.

Voici 10 des meilleures choses que nous avons capturées au Festival international du film de Toronto 2021, d’un souvenir sincère d’un acteur-réalisateur bien connu à une exploration japonaise de trois heures et demie du théâtre et du traumatisme d’un Africain. drame sur les droits de la femme. (Des dédicaces sont également de mise pour les documentaires compagnons Attique et Maintenez votre feu, le portrait controversé d’Alanis Morrisette Déchiqueté et l’avant-musical afro-sonique Givre de Neptune.)

Ali et Ava
C’est un propriétaire anglo-pakistanais et un mélomane pur et dur qui rêve toujours d’être DJ. La romance n’est pas exactement la première chose à laquelle ils pensent, et les deux portent beaucoup de bagages de relations antérieures. Pourtant, ce regard affectueux sur l’amour dans une communauté ouvrière du nord de l’Angleterre, gracieuseté du cinéaste Clio Barnard (La tonnelle), est suffisamment généreux pour donner à ces personnes une chance de bonheur malgré les obstacles qui leur sont opposés. Le misérable n’est pas au menu, bien que le film ne minimise pas non plus les problèmes externes auxquels chaque personnage est confronté dans son existence quotidienne. Et vous ne pouviez pas demander une meilleure vitrine pour Adeel Akhtar et Claire Westbrook, deux acteurs britanniques chevronnés qui obtiennent la vedette qu’ils méritent ici.

Belfast
Nous sommes en 1969, la violence sectaire fait rage en Irlande du Nord, et Buddy (Jude Hill), 10 ans, regarde son quartier littéralement s’embraser. Ses grands-parents (Ciarán Hinds et Dame Judi Dench) offrent gentillesse et conseils alors qu’il tente de négocier une enfance interrompue par les tensions sociales, les soldats et les soulèvements. Ses parents (Caitríona Balfe et Jamie Dornan) savent que la seule issue est de sortir. Le drame en noir et blanc de Kenneth Branagh ne se contente pas d’aborder les troubles d’une manière qui semble personnelle – son morceau de mémoire semi-autobiographique est le film le plus fort qu’il ait réalisé depuis des décennies, avec une incroyable sensation de voir l’histoire à travers les yeux innocents de un enfant et la sagesse durement acquise d’un adulte revisitant un moment charnière de son passé. Ne regardez pas en arrière avec colère, en effet.

Bénédiction
Même par les normes élevées de l’impressionnant corpus d’œuvres de Terence Davies, ce biopic du vétéran de la Première Guerre mondiale et poète Siegfried Sassoon se démarque comme quelque chose d’unique dans les 45 ans de carrière du cinéaste : un mélange homogène de drame historique, de mémoire littéraire, de désir étrange, de calme passion et colère rageuse face à la perte insensée d’une génération entière d’hommes. Le jeu d’acteur est de premier ordre (en particulier Jack Lowden et Peter Capaldi en tant que versions plus jeunes / plus anciennes de Sassoon, et Ben Daniels en tant que médecin sympathique). L’esprit est cinglant, même si la tragédie plane constamment en arrière-plan – imaginez Les canons d’août réécrit par Oscar Wilde. Et le coup final, dans lequel une vie entière de chagrin et de traumatisme a soudainement frappé avec l’ouragan, vous coupera le souffle.

Compartiment n°6
Le co-lauréat du Grand Prix à Cannes cette année (il a partagé le deuxième prix avec Asghar Farhadi’s Un héro, qui était également au TIFF), le road movie du réalisateur finlandais Juho Kuosmanen associe un étudiant au cœur brisé (Seidi Haarla) et un rustre russe (Yuriy Borisov) alors qu’ils partagent un petit compartiment de train. Elle se dirige vers Mourmansk, située près du cercle polaire arctique, pour voir d’anciennes peintures rupestres. Il ne va nulle part, vite. Grâce aux circonstances, à la vodka et à quelques détours inattendus, ces deux compagnons de voyage en viennent peu à peu à goûter au plaisir de la compagnie l’un de l’autre. Un joyau discret et qui refond « Voyage Voyage » de Desireless comme le parfait morceau de bande-son pop-existentialiste.

Conduire ma voiture
Le Japonais Ryusuke Hamaguchi (Heureux Heure) revient avec un autre chef-d’œuvre marathon – une adaptation de plus de trois heures d’une nouvelle de Haruki Murakami sur un metteur en scène (Hidetoshi Nishijima) mettant en scène une production internationale et multilingue de Tchekhov Oncle Vania à Hiroshima. Le monsieur a une histoire riche en histoire avec la pièce en tant qu’acteur, ainsi qu’un lien avec l’un des acteurs : une jolie star de la télévision (Masaki Okada) qui a déjà travaillé avec la femme du réalisateur. Il s’est également vu confier à contrecœur un chauffeur, une jeune femme (Tôko Miura) avec ses propres croix à porter. Les longues scènes d’acteurs plongés dans un texte dramatique, et comment la dynamique de l’œuvre a commencé à réfléchir sur la dynamique de ses interprètes, rappelle d’abord une version moins paranoïaque d’un film de Jacques Rivette. Mais le point de vue de Hamaguchi sur l’art, la vie, la perte, la guérison et le pardon est sa propre bête, et l’un des exemples les plus riches et les plus gratifiants de la façon de transformer de simples interactions humaines en un cinéma captivant.

Les humains
En parlant de cela: cela aurait peut-être suffi au réalisateur Stephen Karam de simplement lancer cette version à l’écran de sa pièce gagnante de Tony – sur une réunion de famille pour le dîner de Thanksgiving, et toute l’anxiété inhérente que cette simple description implique – avec des acteurs bien connus , filmez-les en train de parler de son dialogue merveilleusement acide et en rester là. Au lieu de cela, il transforme ce drame sur scène en un regard expressionniste et hautement cinématographique sur les liens qui unissent (et bâillonnent, et parfois étranglent), et vous plonge au milieu d’un véritable cauchemar. Beanie Feldstein et Steven Yeun sont le jeune couple qui organise le rassemblement de vacances dans leur tout nouvel appartement du centre-ville de New York. Richard Jenkins, Amy Schumer, Jayne Houdyshell (reprenant son rôle de la production de Broadway) et June Squibb sont les invités qui vous rappellent que chaque famille est dysfonctionnelle à sa manière… et, pour laisser tomber une autre citation littéraire, que l’enfer c’est les autres. Karam a fait référence à Ozu et Fassbinder comme influences dans sa conversation après la projection, bien qu’il ait clairement pris quelques pages du livre de jeu du film d’horreur Gotham. Et il fait si littéralement sombre que vous jureriez que le directeur de la photographie Lol Crawley a demandé à feu Gordon Willis de tenir sa bière.

Lingui, les liens sacrés
Une jeune femme (Rihane Khalil Alio) se retrouve avec un enfant et ne sait pas qui est le père. Elle veut un avortement, ce qui, dans son pays d’origine, le Tchad, est interdit par la loi. Sa mère (Achouackh Abakar Souleymane), habituée aux grossesses non désirées ou au statut de paria social qui va avec, est déterminée à l’aider par tous les moyens nécessaires, quitte à s’exiler de leur communauté. C’est, en apparence, une histoire assez simple que le légendaire cinéaste Mahamat-Saleh Haroun (Un homme qui crie) se transforme en une parabole morale, une cri de coeur et une merveille formaliste ; l’utilisation de la composition, de la couleur et du rythme qu’il emploie ici est pratiquement sans égal. Qu’il réussisse également à célébrer les liens sacrés de la fraternité entre les femmes qui entrent et sortent de cette histoire sans sacrifier un sentiment d’indignation face à la situation à laquelle elles se trouvent ne fait que la rendre encore plus impressionnante. Mon film préféré au TIFF de cette année.

Histoire du Montana
Située au cœur du pays Big Sky, cette étude à double personnage de Scott McGehee et David Siegel (Suture, ce que Maisie savait) trouve un jeune homme (Owen Teague) rentrant chez lui pour dire au revoir à son père en phase terminale. Il y a beaucoup de mauvais sang entre eux deux, bien que ce ne soit rien comparé au type O toxique qui existe en ce qui concerne le patriarche et sa fille (Haley Lu Richardson). Et quand elle se retrouve à contrecœur au ranch pour lui rendre un dernier hommage, beaucoup de son passé enfoui est mis au jour. C’est exactement le genre de narration humaniste et non voyante que vous associez à un type de film indépendant qui a été relégué à l’écart au cours des 10 dernières années environ, et qui se situe au cœur de l’équipe McGehee / Siegel. Ils ont toujours été un duo de réalisateurs très sous-estimé. Ce sont des travaux comme celui-ci, cependant, qui exigent que l’on fasse attention.

Petite Maman
Comment suivre un hit international comme Portrait d’une femme en feu? Vous faites une histoire elliptique sur les mères et les filles – une réponse qui peut ne pas sembler instinctive du tout à moins que vous ne parliez de Céline Sciamma. Nelly (Joséphine Sanz) est obligée de regarder sa mère (Nina Meurisse) nettoyer la maison de sa grand-mère après le décès de la femme âgée. La jeune fille passe ses journées à errer paresseusement dans la forêt voisine, où elle rencontre Marion (Gabrielle Sanz), une préadolescente qui est pratiquement le double de l’enfant. Sciamma garde ce récit de conte de fées du côté cryptique, bien que la réponse à ce qui se passe vraiment ici soit cachée à la vue de tous. Cependant, ce sont les plats à emporter du film qui comptent plus que tous les rebondissements : pour paraphraser la vieille maxime, vous ne connaissez jamais vraiment personne, même les personnes les plus proches de vous, jusqu’à ce que vous ayez parcouru un kilomètre à leur place.

La pire personne du monde
Divisé en 10 chapitres (avec un prologue et un épilogue), Joachim Trier plonge dans le monde d’une femme de 30 ans sans racines et agitée nommée Julie (Renate Reinsve, qui a remporté le prix de la meilleure actrice à Cannes et, dans un parfait monde, gagnerait également un Oscar pour cela) est le film que nous attendons depuis des années que ce scénariste-réalisateur norvégien fasse une reprise de ses débuts presque parfaits en 2006 Reprise. Incapable de savoir quoi faire de sa vie et peu disposée à grandir, Julie passe d’une fixation professionnelle et romantique à une autre, rebondissant autour d’Oslo dans le but de trouver la voie vers son avenir idéal. Un romancier graphique plus âgé (Anders Danielsen Lie, alias De Niro to Trier’s Scorsese) lui offre une chance de stabilité; un étranger (Herbert Nordrum) qu’elle rencontre lors d’un mariage qu’elle écrase impulsivement lui offre son excitation. Une explosion absolue d’un film, aussi perspicace, empathique et sans jugement que son titre est scandaleux. Bien joué, M. Trèves.