Qui est Henri Matisse ? Pourquoi son œuvre d’art est-elle importante ? – ARTnews.com

Des fruits mûrs, des étoffes luxueuses, des femmes avenantes, une fenêtre avec vue sur une mer ultramarine : l’univers d’Henri Matisse est celui des plaisirs. Avec son collègue moderniste Pablo Picasso, il est l’un des géants de l’avant-garde du XXe siècle, un sujet éternel d’expositions à succès dont les figures en papier découpé comptent parmi les images les plus célèbres de l’histoire de l’art.

Selon plusieurs biographies récentes, il était également un bourreau de travail, un dépressif et un sac de frappe fréquent pour l’avant-garde intellectuelle parisienne, qui courait chaud et froid sur les motifs occupés et la palette luxuriante de ses peintures. (Son fidèle ennemi Picasso, en voyant le corsé de Matisse Nu bleu à partir de 1907, apparemment ricané « S’il veut faire une femme, qu’il fasse une femme. S’il veut faire un dessin, qu’il fasse un dessin. »)

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Quoi qu’il en soit, de l’avis même de Matisse, la peinture était tout ce qui avait du sens ; il y était ordonné comme un apôtre conféré par Dieu. « Dès le moment où j’ai tenu la boîte de couleurs entre mes mains, j’ai su que c’était ma vie », a-t-il déclaré, repensant à la fin de sa vie. « Je me suis jeté dedans comme une bête qui plonge vers ce qu’elle aime. »

Il a commencé à faire de l’art sans aucune formation formelle, guidé par l’instinct vers le type d’innovation picturale poursuivi par ses pairs modernistes. Mais là où les cubistes plient la figure humaine en angles hostiles, Matisse la laisse couler. (« Il faut toujours chercher le désir de la ligne, où elle veut entrer, où s’éteindre », disait-il à ses élèves.) Et où les peintres De Stijl organisaient l’âme en géométries rigoureuses ; Matisse l’a délié en de puissants éclats de couleur pure. Tout au long de sa carrière de plusieurs décennies, il a essayé la sculpture, le dessin et la gravure, avec un succès variable.

Cette année, deux expositions majeures de Matisse ouvriront aux États-Unis : « Matisse dans les années 1930 », au Philadelphia Museum of Art en octobre, et « The Red Studio », au Museum of Modern Art de New York le 1er mai. Tous deux se concentrent sur des moments spécifiques et formateurs de la carrière de Matisse qui ont conduit à ses innovations : aplatir l’espace tridimensionnel dans ses compositions et privilégier l’expérience subjective sur l’illusion.

« The Red Studio » réunit six peintures, trois sculptures et une céramique de Matisse pour la première fois depuis qu’elles sont rassemblées dans son atelier. Le tableau dont l’exposition tire son nom, L’atelier rouge, a été peint dans la banlieue parisienne d’Issy-les-Moulineaux en 1911 et représente l’atelier de l’artiste, rempli de ce qui équivaut à une rétrospective de son travail. De petites versions de ses peintures apparaissent contre les murs de la pièce, qui sont rendues en rouge rouille non modulé. Il n’y a ni fenêtres, ni portes, ni beaucoup de perspective. Des lignes blanches délicates suggèrent des coins et une horloge grand-père. Mais l’horloge n’a pas d’aiguilles, ici il n’y a ni heure ni issue. Pourtant, le triomphe de Matisse réside dans un malaise écrasant face à l’intrigue ; le temps est un frein de toute façon, et il y a beaucoup d’art à admirer.

Pour un rappel de la vie et des réalisations créatives de l’artiste, lisez la suite.

L’avocat devient peintre

Henri-Émile-Benoît Matisse est né dans le nord-est de la France, où sa famille était impliquée dans l’industrie textile depuis des générations. (Matisse lui-même est devenu collectionneur de tissus dès son plus jeune âge.) Après des études de droit à Paris, il a pris un emploi dans un cabinet d’avocats; pour contrer l’ennui, il se met à dessiner. Plus tard cette année-là, alors qu’il était au lit avec une appendicite, sa mère, qui était elle-même une artiste de porcelaine accomplie, lui a donné un ensemble de peinture. Sa passion pour le médium était si immédiate, si globale, qu’il aurait prévenu sa jeune épouse Amélie Parayre, qu’il a épousée en 1898 : « Je vous aime bien, mademoiselle ; mais j’aimerai toujours davantage peindre. (Si cela a piqué, elle l’a néanmoins soutenu dans sa carrière choisie, agissant en tant que manager personnel dans les premières années de leur mariage.)

Matisse n’a pas fréquenté l’école d’art, mais a suivi des cours avec le peintre symboliste français Gustave Moreau, entre autres, et a reproduit des peintures au Louvre. Beaucoup de ses premières œuvres, dont certaines ont été exposées à Paris en 1901, partagent la palette sombre et maussade et les grandes compositions des maîtres anciens. D’autres, comme Nature morte à la compote, aux pommes et aux oranges, 1899, maintenant dans la collection Cone du Baltimore Museum of Art, étaient redevables aux impressionnistes.

Une bête sauvage

La percée artistique de Matisse a eu lieu à l’été 1905, alors qu’il travaillait aux côtés du peintre André Derain dans la petite ville de pêcheurs de Collioure sur la côte méditerranéenne. Le travail réalisé par le duo combine le coup de pinceau vigoureux de Vincent van Gogh, la couleur brillante de Georges Seurat et la fracturation de l’espace de Cézanne ; les peintures ont été utilisées directement à partir du tube plutôt que mélangées et déposées en traits audacieux.

Plus tard cette année-là, Matisse fait sensation au Salon d’Automne de Paris avec son entrée, le portrait en buste Femme au chapeau. Amélie s’est assise pour la photo et est habillée comme une vraie bourgeoise en gants, éventail et chapeau élaboré. Le décorum s’arrête là, cependant; le tableau est composé de grandes taches irrégulières de teintes extravagantes, ce qui a inspiré le critique Louis Vauxcelles à appeler Matisse et Derain – qui a soumis une pièce tout aussi expressive –fauvesou « bêtes sauvages », définissant ainsi un mouvement. Femme au chapeau a été acquis par Gertrude et Leo Stein, une reconnaissance convoitée des éminents créateurs de goût de Paris.

Matisse est devenu le chef des Fauves, une troupe unie par son rejet du naturalisme, qui comprenait Georges Rouault et Henri-Charles Manguin. Son monumental Le Bonheur de Vivre (1905), une peinture de fêtards nus exécutés dans de riches couleurs automnales, est la distillation du fauvisme. Il a été exposé pour la première fois au Salon des Indépendants de 1906, où son sujet et sa perspective déformée ont provoqué encore plus d’indignation que Femme au chapeau. (Picasso, pour ne pas être en reste, a immédiatement lancé son travail révolutionnaire Les Demoiselles d’Avignon.)

Le fauvisme, cependant, était un mouvement de courte durée; en 1908, de nombreux Fauves avaient adopté le cubisme. Matisse, quant à lui, retrouve un intérêt pour le travail au trait en contrepoint de ses formes simplifiées.

Une période prolifique

Dans la décennie suivante, Matisse produira certaines de ses pièces les plus importantes, à commencer par Danse (je) (1909), une étude préliminaire pour un tableau commandé par son mécène, l’industriel russe Sergei Shchukin. Contrairement à ses œuvres antérieures, il n’a utilisé que cinq couleurs dans la toile monumentale – une approche réductrice qui met l’accent sur les pas légers des danseurs, qui semblent presque flotter sur l’herbe. On tend un bras à l’autre dans un mouvement si fluide, qu’il faut un second regard pour se rendre compte de la cassure du cercle. Matisse savait qu’il avait atteint quelque chose de spécial et a appelé la peinture « le point culminant écrasant de la luminosité ». Un an plus tard, il termine Danse II. L’ambiance ici est plus tendue, la danse est moins une fête qu’un rituel. Les danseurs sont rouge sang et les nouvelles lignes montrent des muscles tendus; il y a peu de facilité dans l’apparence de l’absence d’effort.

L’exubérance féroce de ces premières peintures s’installe, pour le mieux, dans quelque chose de plus sombre et plus étrange, comme dans l’énigmatique Baigneurs avec une tortue, dans lequel trois femmes nues au visage de pierre et aux poses maladroites observent une tortue; une femme lui offre un morceau de nourriture. Le chef-d’œuvre Leçon de piano, à partir de 1916, est ce qu’il a de plus proche du cubisme. C’est une photo de son fils, Pierre, pratiquant le piano, mais les détails abstraits de la scène font trébucher le spectateur à chaque tournant. Un jardin qui s’assombrit vu par la fenêtre est réduit à un coin de verdure ; un triangle d’ombre résonnant, projeté par une lumière intérieure crue, obscurcit la moitié du visage du garçon. Matisse a peint cela alors que Pierre servait pendant la Première Guerre mondiale. Son père semble évoquer un souvenir plus heureux, mais le présent s’impose.

Une nouvelle maison à Nice

En 1917, Matisse s’installe à Cimiez, une banlieue de Nice sur la Côte d’Azur, où il poursuit une variation détendue de la peinture néoclassique qui est bien accueillie. La Première Guerre mondiale était terminée, et avec elle un certain avant-gardisme en France. Il loue une chambre à l’hôtel Beau Rivage face à la plage. Pendant son séjour là-bas, il se levait tôt, mangeait simplement au restaurant de l’hôtel et peignait sans cesse. Il a produit des intérieurs somptueux dont les fenêtres s’ouvrent sur des vues de ciel et de mer lumineux. En 1922, à la suite d’un voyage au Maroc, il se lance dans des séries d’odalisques – un genre d’art orientaliste mettant en scène des représentations érotisées de harems ou de concubines – comme Odalisque couchée aux magnolias, peint un an après son retour d’Afrique du Nord. Il a affirmé avoir créé des odalisques comme excuse pour « peindre le nu », mais il semble avoir pris plus de plaisir aux femmes‘s environnements excessivement ornementaux, comme dans Odalisque au tambourin (Harmonie en bleu) (1926), où une porte mauresque sculptée et peinte subsume presque le modèle semi-nu‘sa présence.

Les dernières découpes radicales

Matisse est resté à Nice jusqu’à sa mort en 1954. Il a passé la dernière décennie et demie de sa vie en tant qu’invalide suite à une chirurgie abdominale – une « seconde vie », a-t-il appelé, consacrée uniquement à l’art. Il délaisse la peinture à l’huile et développe son art le plus radicalement innovant, le découpage. En mettant des ciseaux sur du papier peint à la gouache, il a arrangé des formes organiques et géométriques dans des compositions dynamiques avec l’aide de son assistante de studio et secrétaire Lydia Delectorskaya. Des expériences modestes se sont transformées en entreprises ambitieuses.

Ses projets comprenaient des prototypes pour le livre illustré de 1947 le jazz et une commande pour un couvent à Venise, dont la conception finale comprenait dix-sept vitraux et plusieurs peintures murales abstraites. (La chapelle moderniste a ouvert ses portes en 1951 à la perplexité des religieuses, qui ont finalement adopté son esthétique singulière comme un point de fierté.)

À l’été 1952, au retour d’un voyage à la piscine à Cannes, il charge Delectorskaya d’envelopper latéralement les murs de la salle à manger de l’hôtel Régina avec du papier blanc. Il a ensuite découpé des plongeurs et des créatures marines dans du papier bleu foncé et les a épinglés sur le fond blanc, orchestrant une danse de corps traversant l’eau.

Matisse a dit un jour qu’il cherchait dans l’art « les mêmes choses, que j’ai peut-être réalisées par des moyens différents ». Comme témoignage du succès de sa recherche, prenons la figure féminine, un sujet qu’il a exploré sans cesse et renouvelé, comme dans le découpage Zulma. Elle est limitée à l’essentiel, aux lignes douces et aux couleurs éclatantes, et mystérieusement libérée dans le processus.