PH art répond à 1521 : « L’histoire elle-même est un combat »

Qu’est-ce que tout cela signifiait? La préparation de l’année 2021 a été massive, car l’année marque le 500e anniversaire de l’arrivée des Espagnols et du christianisme sur nos côtes.

Mais avant même l’année elle-même, un débat a commencé à émerger sur la signification et les implications de ce demi-siècle, le tout avant que la pandémie ne frappe, entravant les célébrations prévues en particulier de trois événements : le voyage de Ferdinand Magellan, la bataille de Mactan et le premier Messe en Asie.

Comment les artistes y ont-ils réagi ? Ils ont créé. Dans « A History of Struggle: Philippine Art Remembers 1521 » au Pinto Art Museum à Antipolo, Rizal, le conservateur Patrick D. Flores a rassemblé une extraordinaire collection d’œuvres à travers les genres et les générations, remettant en question ce que nous savons de 1521.

Flores, professeur d’études artistiques et conservateur du musée Jorge B. Vargas et du centre de recherche Filipiniana de l’Université des Philippines, comprend comment chaque pièce s’intègre : « Chaque pièce est intéressante ; tous les artistes ont essayé de trouver un point d’entrée dans les événements historiques, et de là ont risqué leur propre iconographie et discours. Les résultats sont variés. Certains sont étroitement liés à la tradition de la peinture de chevalet et à l’imagerie reconnaissable ; d’autres ont exploré l’iconoclasme, l’art de la rue, l’allégorie, la critique féministe, le conceptualisme basé sur la photographie, l’intermédia postcolonial, etc.

Comment se connecte-t-il au présent ? « À la lumière de COVID-19, le contexte colonial est sûrement saillant », dit Flores. « Le mouvement des agents pathogènes a fait partie d’une histoire mondiale dont le colonialisme était un matériel génétique primaire. »

De plus, « A History of Struggle » n’est pas une exposition en ligne. C’est une exposition physique à vivre.

Sont exposés les établis et les émergents, les éclectiques et les attendus : Ambie Abaño, Leonard Aguinaldo, Salvador Alonday, Marcel Antonio, Victor Balanon, Allan Balisi, Renz Baluyot, Imelda Cajipe-Endaya, Antipas Delotavo, Charlie Co, Ernest Concepcion, Ronson Culibrina, Cian Dayrit, Kawayan De Guia, Anton Del Castillo, Alfredo Esquillo, Roberto Feleo, Dex Fernandez, Romulo Galicano, Emmanuel Garibay, Paolo Icasas, Doktor Karayom, Julie Lluch, Leeroy New, Lee Paje, Norberto Roldan, Iggy Rodriguez, Arturo Sanchez Jr., Dexter Sy, Kidlat Tahimik, Rodel Tapaya et Rodney Yap.

« Une histoire de la lutte » est trompeuse car elle ne représente pas 1521, mais le temps entre 1521 et maintenant – et les possibilités, la destruction, la création entre les deux. C’est une exposition pour notre temps. Voyez-le par vous-même.

Lifestyle a discuté de l’exposition avec Flores. Voici des extraits :

Les œuvres d’art semblent être unifiées dans un effort pour «remixer» les notions populaires ou acceptées de ces trois événements, le voyage de Magellan, la bataille de Mactan et la messe. Pourquoi pensez-vous qu’il est important de fournir une vue alternative de ces événements ?

La connaissance commune autour des événements de 1521 nous a donné les grandes lignes de l’histoire, comme on peut le voir dans les manuels et la culture populaire. Mais face aux changements d’attitudes et aux nouveaux faits produits par la recherche, nous devons continuellement revisiter l’histoire et lire attentivement ses petits caractères, et dans le processus proposer des perspectives qui compliquent ce qui est devenu un raccourci du passé. Les idées et les méthodes d’écriture et d’interprétation de l’histoire ont fait l’objet de vifs débats, tout comme les tentatives de la représenter dans l’art. L’art a la capacité non seulement de proposer des alternatives aux habitudes de pensée familières, mais plus fondamentalement, d’améliorer l’imagination historique, ce qui est une double tâche : imaginer historiquement et restituer le contexte de cette imagination de manière créative.

Tout comme l’exposition utilise une variété de médiums et de styles, l’exposition adopte différentes approches du «monde alternatif» pour les événements. Dans quelle mesure pensez-vous que cette variété d’approches et de méthodes est efficace pour atteindre son objectif ?

Nous réalisons que les médiums et les styles ne sont pas simplement des choix formels ; ils retracent l’écologie des options à partir desquelles, avec et à travers lesquelles les artistes imaginent leurs formes. Plus les écologies évoquées sont nombreuses, mieux l’exposition est à même de dépeindre la complexité de l’histoire. Une partie de ces écologies sont les biographies des artistes, leurs talents et convictions en tant que citoyens créatifs, les perspectives qu’ils apportent à la production artistique. Cela dit, les formes elles-mêmes doivent être comprises comme langage, signifiant et donc recréant.

« A History of Struggle » présente plus de 30 artistes à différentes étapes de leur carrière. Comment pensez-vous que cela figure dans l’impact global de l’exposition?

Je m’intéresse aux points de vue venant de différentes générations pour un certain nombre de raisons.

Tout d’abord, le public découvre des aspects de l’histoire de l’art. Deuxièmement, l’éventail de cette histoire s’élargit au fur et à mesure que les artistes indexent les différentes phases de leur pratique. Troisièmement, le discours s’épaissit à travers la densité de l’expérience et de l’expérimentation. Quatrièmement, le sensorium de l’exposition devient plus vivant.

Je me suis également fait un devoir dans ce projet de scruter la forêt tropicale de l’art philippin et de ne pas simplement reproduire un terrarium prévisible. Et donc, les tendances sont mélangées ; les artistes ne sont pas seulement de Manille ; ce ne sont pas que des hommes ; certains émergent et d’autres sont éminents ; etc.

En tant que commissaire de l’exposition, qu’avez-vous trouvé la partie la plus difficile de l’exposition ?

Chaque exposition est spécifique à un site. Je connais le programme de Pinto et le goût du Dr Joven Cuanang, le visionnaire de l’institution. Alors que j’essayais de superposer de nouvelles choses au cœur de sa vision et initiais des changements de procédure, j’ai respecté l’esprit du lieu et son histoire ; c’est l’obligation éthique du client.

L’obligation éthique de l’hébergeur est d’être hospitalier. En raison des restrictions de santé publique, je n’ai pas pu faire autant de recherches que possible. De plus, même dans des conditions prépandémiques, il est impossible de suivre l’énergie de l’écologie artistique actuelle et de son essaim d’espèces. Et donc, je me suis appuyé sur ce que je connaissais, qui je connaissais, et quoi et qui je pensais être prometteur et prêt.

L’élément important de la visite à l’atelier ou d’une conversation avec l’artiste n’était malheureusement pas là.

À l’inverse, qu’est-ce qui a été, selon vous, la meilleure partie de l’assemblage ?

La meilleure partie, et je pense la force motrice, était de contribuer au discours du quinquennat, de ne pas laisser passer cet événement sans une remarque ou une inflexion. Certains artistes l’ont adopté avec enthousiasme comme moyen de surmonter l’inertie d’un verrouillage.

En tant qu’historienne de l’art et conservatrice, j’avais également envie de revoir la peinture et la sculpture, en particulier comment ces technologies visuelles sont capables de faire référence à la figure de «l’historique», étant donné que c’est le colonialisme qui les a en partie façonnées comme médiums de l’art et aussi de la conversion impériale. En d’autres termes, j’étais curieux de connaître l’état de la création d’images par rapport à la pensée historique.

À bien des égards, « A History of Struggle » peut également être interprété comme signifiant que la lutte continue, après 500 ans, comme le montrent certaines de ces œuvres. Que diriez-vous à cela?

C’est exactement le point : l’histoire elle-même est une lutte. Il ne s’agit pas seulement d’être représenté comme un objet ou un événement pleinement formé, ou réduit à un thème. Penser l’histoire et historiquement, c’est participer à la lutte contre la façon dont une conscience dominante nous fait penser le temps, le lieu et le phénomène d’une certaine manière. C’est une façon de concevoir la lutte. L’autre façon est de la considérer comme continue, toujours renouvelée, en fait toujours naissante parce que la résolution est renouvelée maintes et maintes fois, de ne jamais devenir la norme ou la normale, ou usée par le cynisme ou l’autosatisfaction.

« Une histoire de lutte » n’est pas disponible pour une visualisation en ligne. À votre avis, quelle valeur les gens devraient-ils accorder à la visite de musées et de galeries comme Pinto et à l’observation de l’art en personne ?

La rencontre avec l’art demande de l’attention. Et souvent, c’est le musée qui peut fournir la condition pour que cela se produise, voire se ramifier. Aussi, l’art invite ou attire les sens par sa matière et ses qualités. Cela pourrait être difficile à glaner dans une visite virtuelle.

Enfin, l’atmosphère curatoriale est vitale, comment les œuvres interagissent les unes avec les autres et comment un membre du public se promène avec d’autres pour voir l’exposition. Elle devient à la fois une expérience intime et collective.

Quelle est la seule chose que vous voudriez que les gens emportent avec eux après avoir visionné « A History of Struggle ?

« Que l’art philippin est réactif. Et que l’histoire de l’art philippin est actuelle et mondaine, enracinée et pourtant migrante, offrant une qualité constante à travers les tendances, que ce soit dans la peinture réaliste ou l’installation conceptualiste, dans la gravure ou la sculpture. L’art philippin est toujours à la hauteur pour honorer et poursuivre son histoire de lutte. INQ« Une histoire de lutte :

Philippine Art Remembers 1521″ est présenté au Pinto Art Museum jusqu’au 8 août.