Pas de récit à débattre : l’artiste Raheleh Filsoofi connaît l’Iran, l’argile et la migration

Dans « Récits débattus” sa nouvelle exposition solo au Chicago’s Projets ENGAGER, Raheleh Filsoofi revisite ce qui la tient éveillée : la curiosité, l’altérité et le chez-soi, dans toute leur complexité. L’Observateur s’est entretenu avec elle juste avant l’ouverture de cette nouvelle émission.

Ce nouveau spectacle comprend Limites imaginées (2017), une installation qui présente des découpes de forme iranienne inspirées du palais Ali Qapu à Ispahan, un site reconnu du patrimoine mondial de l’UNESCO construit à l’époque safavide. Datant du XVIe siècle, il abritait Shah Abbas, l’un des dirigeants les plus éminents de Perse. Le dernier étage du palais comprend une salle de musique et un plafond acoustique à partir duquel les formes que Filsoofi utilise en elle Limites imaginées sont dessinés.

Si la musique imprègne ce choix, l’œuvre n’intègre aucun son, considéré comme potentiellement distrayant de l’acte de voir. C’est un choix délibéré pour Filsoofi, car le silence permet la découverte sans entrave de nouveaux visages – « d’autres » – qui regardent à travers les boîtes noires des découpes dans une vidéo. Ces apparences encadrées rappellent les limites des cages à oiseaux ou des miroirs, mais existent surtout pour transcender les frontières artificielles entre nous vers une découverte et une appréciation calmes et significatives d’une connexion entre deux humains. Ce faisant, Filsoofi explore les racines de l’ancien « Maisons de l’amitié» d’Ispahan, conçus comme des centres interreligieux entre communautés musulmanes et chrétiennes.

Limites imaginées est une œuvre itérative et évolutive qui a incarné de nouvelles significations pour l’artiste au fil du temps. « J’avais plus d’espoir [in 2017] », dit Filsoofi à l’observateur, se souvenant de la première fois qu’il a été affiché. À l’époque, un appel téléphonique de trois minutes entre les dirigeants américains et iraniens a conduit à une croyance optimiste en un nouveau départ et a réchauffé les relations, une possibilité profondément modifiée lors de la présidence Trump inaugurée un an plus tard. Filsoofi avait même monté une émission qui a débuté le même jour aux États-Unis et en Iran, avec des caméras de chaque côté pour que les gens se « regardent » et démystifient leurs différences.

Elle a ensuite conceptualisé une deuxième phase de ce travail pendant les années Trump mettant en évidence les divisions internes aux États-Unis et la polarisation accrue du pays. Cette fois, les Américains ont regardé d’autres Américains à travers le miroir de ces formes iraniennes, apportant «l’altérité» à la scène domestique.

En 2020, Filsoofi a déménagé du Texas à Nashville, Tennessee, et a vu l’opportunité de rapprocher son objectif artistique, du mondial et du national au local. « En tant qu’artiste, je devrais d’abord regarder autour de moi », dit-elle, expliquant la fluidité du travail comme une mise à jour nécessaire pour continuer à négocier avec un présent politique en constante évolution.

Le temps mais aussi le lieu imprègnent la pratique sociale de Filsoofi. Régulièrement en déplacement, c’est une artiste profondément enracinée dans ses ancêtres et sa culture iranienne natale. Cette dualité s’incarne dans Odyssée (2022), une vidéo qui s’appuie sur son projet en cours, « Apprendre les bases» (2019-), qui est également à l’affiche dans « Debated Narratives ».

Dans Odyssée, Filsoofi revisite l’illusion d’optique d’une technique visuelle du début du XIXe siècle appelée phénakistiscope qui anime une roue et donne une impression de mouvement continu. Les dessins qu’elle a empruntés à l’imagerie de la céramique pendant l’âge d’or de l’islam bordent le profil sautant de Filsoofi.

Enfantin et innocent au début, le saut à la corde fait écho à des liens plus profonds, comme avec la possibilité de liberté après des années de piégeage et l’incarnation difficile de l’expérience d’un migrant. Elle n’atterrit jamais tout à fait sur des terrains solides et se relève constamment pour continuer. Filsoofi s’est enregistrée en train de sauter dans divers États, de la frontière mexicaine à la frontière canadienne, afin d’attirer l’attention sur la liminalité et l’appartenance d’un immigrant partagé à des espaces clos.

« La liberté et le choix de mouvement ont été un grand combat pour moi », se souvient-elle lors de notre échange. La révolution islamique, se déplaçant dans le monde en tant que femme du Moyen-Orient, comprenant les héritages de la ségrégation américaine et l’étendue de «l’interdiction musulmane» de Trump, vivant pendant cinq ans en tant qu’immigrante illégale avant d’obtenir sa citoyenneté américaine, et COVID.

« J’essaie de profiter pendant que j’ai cette liberté. Le traumatisme résultant d’un manque de permission existe toujours en moi. Même si ce n’est pas lié à moi, c’est lié à ma famille, ma communauté, mes étudiants et collègues mexicains donc c’est toujours là, cette peur », partage-t-elle. Le sol reste fragile, même après toutes ces années.

« La liberté de mouvement m’a poussé à bouger physiquement », ajoute-t-elle, positionnant son effort dans le cadre d’une lignée retraçant les érudits et explorateurs du Moyen-Orient, et leurs voyages qui ont contribué à redéfinir l’identité, la communauté et la culture dans un esprit de générosité et ouverture. Dans OdysséeFilsoofi marche littéralement et symboliquement dans les vases de ses ancêtres.

Comme avec Limites imaginées, Odyssée représente l’absence. Dans Limites imaginées le silence véhicule une absence de son autant qu’un langage sacré de découverte mutuelle. Odyssée réinterprète la poterie et son potentiel créatif sous forme numérique, dématérialisée tout en donnant le rythme de rotation de la vidéo.

Le mouvement suit le tour du potier, une physicalité ancrée chez le céramiste de formation aujourd’hui professeur adjoint de céramique à Université Vanderbilt. Collecter de la terre et du son comme le fait Filsoofi est éprouvant pour le corps et elle se demande parfois combien de temps et jusqu’où elle peut continuer.

« La terre est sous vos pieds tandis que le son est tout autour de vous », note-t-elle, admirative de la manière dont ces humbles ressources nous embrassent, même spirituellement. Mais quelle est leur relation ? « L’un est éphémère, l’autre solide », elle contemple, s’arrête et réfléchit. Identifier de telles couches est un préalable à la compréhension d’un lieu. « Je documente tout, puis je crée différentes œuvres avec ça. Je fabrique des récipients à partir de chacun des spécimens de sol que je collectionne et le son de l’endroit passe par là.

« Les assiettes font partie de ma pratique », dit-elle. Elle rappelle leur aspect nutritif et leur capacité à rassembler les gens. Mais pourquoi un récipient ne peut-il pas contenir du son au lieu de nourriture, demande-t-elle, pour remettre en question la fonctionnalité supposée de l’objet. Elle a même une fois remis en question sa dévotion à l’argile, brièvement, lorsque toute son étendue s’est finalement révélée à elle lors d’une année sabbatique à l’université en Iran.

L’argile est généreuse et Filsoofi innove par ce médium ; elle essaie de nouvelles techniques comme la peinture à la poussière. Dans son travail de performance passé MORSURE (2021), Filsoofi considère charnellement l’un de ces récipients en céramique. Elle a expérimenté cela pour la première fois pendant le confinement, entourée de la présence de ses assiettes et de ses récipients, ses « meilleurs amis ». Soudain, alors que la consistance de l’argile atteignait un état spécifique, elle suivit une envie de mordre dedans. « Cette scène était très invitante », se souvient-elle avec un sourire malicieux. « Je me suis mise à mordre dedans et j’ai vu ma marque », ajoute-t-elle, voyant dans cet acte non seulement une forme de transgression et d’appropriation négociée, mais aussi une tentative de transformer une insécurité physique – ses dents – en une affirmation positive, une force. .

Filsoofi soulève soigneusement son assiette dans une chorégraphie aux allures de cérémonie et la façon dont elle laisse délicatement sa marque est à la fois un hommage aux cultures amérindiennes et un rejet absolu du colonialisme et de la suprématie blanche. « Qui me donne la permission d’utiliser la terre recueillie autour et d’y laisser ma marque? »

Consciente de la relation particulière entre l’argile et la terre, elle a observé les artistes indigènes, comment ils s’assoient et bénissent leur argile. « L’homme blanc va ailleurs, prend les ressources, les revendique comme les leurs et les ramène chez lui », dit-elle. En revanche, elle investit du temps et fonde son travail sur un écosystème précieux de sols et de personnes. « Un défi est de reconnaître un territoire et où il se situe – pas seulement physiquement – et ma relation avec lui », observe Filsoofi. « Je me déplace dans ces endroits avec respect. » Elle s’en soucie.

En tant qu’étranger, trouver des stratégies constantes peut être épuisant. Raheleh Filsoofi saute et saute et saute. Va-t-elle un jour ralentir ? Pas avec ce personnage. « C’est moi qui suis curieuse maintenant », admet-elle. Une curiosité par nature sans limite.