L’évolution du modernisme de Louis Maqhubela : New Frame

Louis Maqhubela est décédé du Covid-19 en Angleterre le 6 novembre 2021, quelques jours seulement après que sa femme Tana a également succombé au virus. Il avait 82 ans. Un nom important dans le canon des modernistes sud-africains qui ont émergé à l’époque de l’apartheid dans les années 1960, Maqhubela a ensuite trouvé sa propre forme unique d’expression abstraite à l’extérieur du pays après son départ en 1978.

Bien que Maqhubela ait effectué plusieurs voyages en Afrique du Sud après 1994, dont une visite en 2010 pour assister à l’ouverture d’une grande exposition rétrospective à la Standard Bank Gallery, son visage et sa personnalité publique ont rarement été vus ici. Alors qu’il connaissait son travail, certains de ses débuts et son record d’enchères, le monde de l’art sud-africain n’a prêté qu’une attention criminelle à sa carrière à l’extérieur du pays, qui s’est étendue sur plus de quatre décennies.

Il appartenait à la famille Maqhubela de sensibiliser les critiques et les journalistes à sa mort. Dans un communiqué, ils ont déclaré: « Papa était aussi déterminé qu’il était gentil et aimant. Son héritage dans l’art contemporain est important et il a eu un impact positif sur de nombreuses vies.

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Louis Khehla Maqhubela est né à Durban en 1939. Quand il avait 10 ans, ses parents ont déménagé à Johannesburg. Lui et ses sœurs ont été envoyés vivre chez une tante à Matatiele dans le Cap oriental avant de rejoindre leurs parents en 1952 et de s’installer à Soweto.

Alors qu’il était encore adolescent à Soweto, Maqhubela faisait partie du groupe d’artistes influents du week-end de l’artiste Durant Sihlali. Il a poursuivi ses études sous la tutelle de Cecil Skotnes et de Sydney Kumalo au légendaire Polly Street Art Center de Johannesburg.

Maqhubela a quitté l’école pour devenir artiste commercial et s’est rapidement retrouvé à accepter des commandes pour créer des peintures et des mosaïques dans les hôpitaux, les écoles et les salles de Soweto. Skotnes l’a aidé à obtenir une commande importante pour peindre quatre grandes œuvres pétrolières de bâtiments publics en 1961, dont une seule, Vie de canton, a survécu.

La critique d’art Marilyn Martin, championne de longue date de Maqhubela, a écrit que l’œuvre « démontre une vitalité, un dessin rigoureux et l’utilisation d’une forte couleur non descriptive et d’une application de peinture expressionniste qui la distingue des impressions plus stéréotypées de la vie de township populaire à l’époque. ”.

Elargir son horizon

En 1966, Maqhubela est devenu le premier artiste noir à remporter le premier prix du concours annuel de la Adler Fielding Gallery. Artistes célèbres et prometteurs exposition. Cela l’a propulsé au premier plan d’un nombre restreint mais croissant d’artistes noirs sud-africains qui trouvaient de la popularité parmi les critiques et les acheteurs du monde de l’art blanc de l’apartheid.

Le prix comprenait un billet d’avion aller-retour pour l’Europe, et les trois mois qu’il y passa auront un impact indélébile sur la vision philosophique et la pratique artistique de Maqhubela dans les années à venir. Il a vu les œuvres de sommités modernistes et abstraites telles que Picasso et Paul Klee, dont les abstractions figuratives aux couleurs vives ont fait une impression durable sur le jeune peintre.

Lorsqu’on lui a offert la chance de rencontrer peut-être le peintre vivant le plus célèbre de l’époque, Francis Bacon, il l’a refusée, choisissant plutôt de rendre visite à l’artiste sud-africain Douglas Portway chez lui à Cornwall. Portway, qui avait quitté l’Afrique du Sud dans les années 1950, s’était alors imposé comme un membre respecté du mouvement abstrait britannique. Lui et Maqhubela ont trouvé l’un dans l’autre des âmes sœurs – tous deux intéressés à exprimer à travers leur art « la créativité et l’expression au-delà de la réalité observée ».

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Maqhubela reconnaîtrait plus tard qu’il avait beaucoup appris de Portway, et son propre travail deviendrait considérablement influencé par sa recherche de sens spirituel, qu’il avait commencé à trouver dans les enseignements de l’Ordre rosicrucien, une communauté de mystiques.

À partir de la fin des années 1960, le style de Maqhubela évolue pour laisser derrière lui l’iconographie des townships et l’expressionnisme figuratif. Au lieu de cela, il a privilégié les œuvres qui tentaient de transmettre des sentiments et des émotions plutôt que de ressembler à un environnement observé.

Dans les années 1970, ce nouveau style s’enracine dans des abstractions distinctives et colorées. Martin les décrit comme «des couches de peinture finement appliquées articulées au moyen de sgraffites, parfois complètement abstraites, d’autres fois avec des figures, des oiseaux et des animaux émergeant des lignes filiformes, de la couleur et des formes flottantes».

Maqhubela a déclaré à Martin dans une interview qu’il considérait également son adoption de l’abstraction comme « une déclaration de guerre contre les stéréotypes, en gardant à l’esprit que l’abstraction a été, pendant des siècles, la première forme d’expression en Afrique ».

La vie à Londres

Bien qu’il ait connu un certain succès malgré les opportunités limitées offertes aux artistes noirs sud-africains sous l’apartheid, la nature oppressive de la vie sous le régime s’est avérée trop difficile pour Maqhubela et sa famille. Ils quittent définitivement le pays en 1973. Ils s’installent d’abord sur l’île espagnole d’Ibiza, célèbre à l’époque comme un paradis bohème pour les artistes européens, et en 1978 déménagent à Londres, où ils resteront pour le reste de la vie de Maqhubela.

À Londres, Maqhubela a poursuivi ses études au Goldsmiths College et à la célèbre Slade School of Fine Art, où il a commencé à intégrer la gravure dans sa pratique et a produit une série de gravures qui, selon Martin, « comptent parmi les plus importantes de son œuvre ». .

Depuis l’Angleterre, Maqhubela a continué à exposer abondamment en Afrique du Sud et ses œuvres étaient également de plus en plus visibles dans les galeries et salons internationaux.

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Le galeriste londonien Kapil Jariwala, qui était un ami proche, a noté dans une déclaration publiée après la mort de Maqhubela : « La forte veine d’énergie qui traverse son travail et l’essence de l’art de Maqhubela est l’absorption de la vie quotidienne dans les townships de son sud bien-aimé. Afrique [and] cet héritage autobiographique [was] quelque chose qui l’a soutenu dans son studio de Londres.

Mais, a déclaré Jariwala, ce serait une erreur de catégoriser le travail de Maqhubela comme simplement «l’art d’un exilé – quelqu’un à la recherche du passé et aliéné dans son pays d’adoption. Rien ne pourrait être plus éloigné de la vérité. Il a prospéré sur la scène artistique londonienne où il a été positivement accueilli, reconnu et soutenu par les collectionneurs et artistes les plus éminents avec lesquels il a noué des dialogues et des amitiés significatifs qui ont duré jusqu’à la fin.

La mécène et entrepreneure Vanessa Branson a rappelé comment Maqhubela avait organisé deux expositions dans sa galerie entre 1987 et 1989. « Entrer dans son atelier pour sélectionner les œuvres ressemblait à entrer dans une cathédrale de vitraux. Les tableaux chatoient tous comme des vitraux baignés de lumière. Mon respect pour Louis, pour son intelligence tranquille, ne connaissait pas de bornes. J’ai même donné son nom à mon fils.

Renouvellement et rétrospection

En 1994, Maqhubela a effectué son premier voyage de retour en Afrique du Sud pour « faire l’expérience directe de l’euphorie de la liberté ». Martin note que ce voyage, ainsi qu’un retour ultérieur pour des soins médicaux en 2001, ont donné « un nouvel élan à son travail, apportant des changements thématiques et techniques ».

Maqhubela est resté basé au Royaume-Uni, mais son travail a été de plus en plus acheté pour les collections de grandes institutions aux États-Unis, au Royaume-Uni et en Afrique du Sud au cours des décennies qui ont suivi la transition démocratique dans son pays natal.

Une veillée de départ, une grande rétrospective organisée par Martin en 2010, a été présentée à la Standard Bank Gallery de Johannesburg, à la Iziko South African National Gallery de Cape Town et à la Durban Art Gallery. Cela a servi à redonner à juste titre à Maqhubela sa place importante dans l’histoire de l’art sud-africain. Il a également présenté la grande variété de l’œuvre qu’il avait produite pendant un demi-siècle à une nouvelle génération.

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Comme l’a noté Martin, Maqhubela n’avait pas de successeurs immédiats « au sens stylistique : son art était peut-être trop personnel et privé, trop énigmatique pour être imité, mais – comprenant qu’il y avait un monde au-delà de l’immédiat et visible et qu’il pouvait être révélé à travers l’art – il a été une source d’inspiration pour ses compatriotes et les artistes du monde entier ».

C’est un sentiment partagé par Jariwala, qui estime que le travail de Maqhubela a été influencé par « l’accumulation de toutes ses expériences ». L’artiste « a produit des peintures magiques qui appartiennent à l’ici et maintenant – elles étaient aussi pertinentes à Londres qu’elles l’étaient à Johannesburg ou à New York – en fait au monde entier ».

Un service commémoratif pour Maqhubela et Tana a eu lieu à Londres le 15 décembre et ses cendres doivent être renvoyées en Afrique du Sud à une date ultérieure. Le couple laisse dans le deuil ses trois enfants et plusieurs petits-enfants.