Le meilleur nouveau jazz de juin 2022

Le temps est dans mon esprit. Maintenant que la plupart d’entre nous sont de retour dans les bureaux, il semble qu’il ait recommencé à bouger – et, comme ceux d’entre nous un peu plus âgés peuvent en témoigner, il s’accélère de jour en jour. Cela signifie que je semble avoir moins d’heures chaque semaine pour écouter de la musique et que certains de mes musiciens préférés ont complètement épuisé leurs heures. Heureusement, tant d’autres continuent de groover.

De plus, cela a été un mois brillant pour la nouvelle musique, détaillée ci-dessous, de David Binney, Michael Dease, Jacob Garchik, Cameron Graves, Mary Halvorson et Matthew Shipp.

Repose-toi bien, Grachan Moncur III

Je déteste avoir la mortalité dans mon esprit alors que le printemps fait irruption dans l’été, mais la mort du tromboniste, professeur et compositeur Grachan Moncur III ce mois-ci a eu un impact significatif sur mon écoute. Sa musique, en tant que leader, était limitée mais tout à fait audacieuse. Beaucoup d’entre nous l’ont entendu pour la première fois parce qu’il était le compositeur de la plupart des morceaux de la paire bang-bang d’enregistrements Blue Note de 1964 du saxophoniste alto Jackie McLean, Un pas derrière et Destination… Dehors ! La même année, Moncur’s own Évolution est sorti sur Blue Note, avec également McLean, le vibraphoniste Bobby Hutcherson à la place du piano ou de la guitare, et Tony Williams à la batterie. Ces trois records se placent facilement à côté de celui d’Eric Dolphy Sortir pour déjeuner et Andrew Hill Point de départ comme points culminants de l’intégration de la structure post-bop et de la liberté croissante. Ils ont aidé à définir comment les musiciens pouvaient improviser au-delà des frontières harmoniques, mais toujours dans le cadre d’une composition experte. (Le fait que chacun soit sorti en 1964 marque cette année comme exceptionnellement superbe pour la musique créative enregistrée.)

Moncur a dirigé une session Blue Note ultérieure, Quelques autres trucs (avec Wayne Shorter, Herbie Hancock, Tony Williams et Cecil McBee). C’est un peu plus difficile à aimer, bien que fascinant. Au cours des décennies suivantes, il a enregistré une autre demi-douzaine de fois, et il est difficile de trouver quelque chose de moins que fabuleux sur chacun d’eux. Nouvelle Afrique de 1969 est expansif et ouvert, avec une section rythmique Dave Burrell/Alan Silva/Andrew Cyrille et Roscoe Mitchell aux bois. L’improvisation devient parfois folle, avec de l’improvisation collective et de la liberté à profusion, mais Moncur structure toujours les performances avec quelques idées fascinantes qui font fusionner tous les musiciens. Cette même année, Moncur enregistre un disque d’inspiration brésilienne en utilisant Archie Shepp comme feuille de saxophone.

Une session plus traditionnelle avec un octuor, Exploration, est sorti en 2004, suggérant que Moncur n’a jamais perdu une étape au fil des ans. Le bassiste Ray Drummond et la batterie de Cyrille balancent la session avec élégance, et les airs de Moncur – dont « Frankenstein » du groupe McLean et « New Africa » – sont arrangés pour six cors (cuivres et saxophone) sans suer. Il restait beaucoup à jouer dans ce maître méconnu plus d’un quart de siècle après son apogée.

Le trombone, comme source d’inspiration : Jacob Garchik et Michael Dease

L’écoute de tant de Moncur coïncidait avec l’écoute de toute la musique du tromboniste contemporain Jacob Garchik, dont Assemblée est l’un de mes disques « Can’t Miss » du mois. Garchik est aussi proche que n’importe qui d’autre d’être un Moncur pour le nouveau siècle. Non seulement son jeu marie le bebop à une tradition moderne plus large et plus libre, mais il est un inventeur ingénieux de scénarios musicaux qui inspirent les autres à très bien jouer. L’enregistrement 2020 de Garchik, Ligne claire, est un ensemble d’arrangements pour un ensemble de cors « big band » classique (trompettes, trombones, saxophones) mais sans section rythmique les entraînant.

Incroyablement, le groupe bouge avec un élan glorieux, créant un espace pour les improvisations – parce que l’écriture bouge d’une manière qui permet à nos oreilles (et aux oreilles des musiciens?) D’entendre le «swing» furieux ou élégant que les grands groupes de cette tradition ont ou besoin. De même, qui aurait imaginé la Ye Olde de 2015, qui réinvente un certain type de rock/métal progressif comme véhicule pour des arrangements de cuivres bourdonnants et des exercices ironiques qui penchent un peu vers le funk de la Nouvelle-Orléans et un peu vers Queen ? Les guitaristes Mary Halvorson, Brandon Seabrook et Jonathan Goldberger forment un mur du son, la batterie de Vinnie Sperrazza étant la plate-forme du feu. Quant au dernier de Garchik, passez au bas de cette colonne et laissez-vous éblouir.

La vérité est que s’il y a peut-être moins de trombonistes sur la scène que de saxophonistes, le génie de ces musiciens est disproportionné. J’ai souvent écrit sur l’étendue des offres de Ryan Keberle, qui a changé de forme de son groupe Catharsis (petit groupe New Jazz qui utilise l’écriture/l’arrangement contrapuntique pour les cors et la voix de Camila Meza) au jeu de chambre de Reverso à son projet pour la musique brésilienne, Collectiv do Brasil. J’ai aussi écrit sur le magicien du trombone Joe Fiedler, qui dirige des projets centrés sur les cuivres graves (son groupe Big Sackbut) ou qui évoquent la musique de Rue de Sesame comme véhicule branché pour l’improvisation.

J’ai passé environ une semaine ce mois-ci à écouter le prolifique tromboniste Michael Dease, qui possède une technique à la JJ Johnson, de superbes compétences en écriture et en arrangement, et une large gamme stylistique. Creusez dans sa discographie et vous entendrez des palmarès pointus de big band, des airs de groove pour petits groupes basés sur des orgues, du bebop moderne et une dose occasionnelle de fusion. Écoutez « Roppongi » de sa sortie Sans relâche pour entendre le genre de musique de big band à guitare qui apparaissait occasionnellement dans les années 1970 et qui tire maintenant son expression la plus claire de Snarky Puppy. Je suis devenu accro à Dease parce que sa dernière sortie sur Posi-tone, Meilleure prochaine chose, est le genre de rendez-vous intérieur-extérieur (ou, enfin, aussi proche que possible de Posi-tone) qui rappelle une note bleue du milieu des années 1960. Les supports publicitaires font une référence sournoise au classique d’Oliver Nelson Le blues et la vérité abstraite, qui mettait en vedette Freddie Hubbard et Eric Dolphy pimentant et défiant un tas de décors merveilleux mais par ailleurs très courants. Et, bien sûr, le dernier album de Dease comprend le saxophoniste alto Rudresh Mahanthappa agissant comme un perturbateur quelque peu Dolphy-ish et le trompettiste Alex Sipiagin tournant des lignes de cuivres crémeuses mais escarpées qui ont une qualité agitée.

Dease est un joueur d’une technique éblouissante et d’innombrables bonnes idées musicales, et ses caractéristiques de ballade sont ici une mise à jour significative sur les balladeers de trombone classiques. Mais je me suis retrouvé à savourer la façon dont les improvisations plus audacieuses de Mahanthappa ont fait tout Meilleure prochaine chose monter plus haut. Par exemple, la reprise à la Mingus du classique « Doxy » de Sonny Rollins est amusante et gratuite, et c’est l’approche parfaitement contrôlée de Mahanthappa qui agit comme catalyseur. Sur « Persian Rug Dealer » super branché et percutant de Dease et « Horse Trader » à l’harmonie brillante, le saxophoniste résiste à l’envie de jouer les changements directement, saisissant un motif et le travaillant légèrement contre les harmonies. Le résultat rend ces morceaux tout à fait frais. C’est une date Posi-tone, donc tous les solos sont laconiques (généralement un seul refrain—pourquoi ?), et la quantité de « sorties » est limitée. Pourtant, dans ce cas, le mélange de « tout droit » et d’aventure fait de cet enregistrement un frisson surprenant. Allez, trombone !

À 80 et 85 ans, Sir Paul et Ron jouent toujours magnifiquement

Si j’ai trop pensé à perdre des gens, célébrons ceux qui sont encore là. Mai a marqué le 85e anniversaire du bassiste suprême Ron Carter et ces dernières semaines ont vu le 80e anniversaire de Paul McCartney. Je suppose que je n’écris pas beaucoup sur la musique des Beatles dans cette colonne, mais j’ai été relativement obsédé par McCartney ces derniers temps. Bien sûr: « Blackbird », « Yesterday », « Eleanor Rigby », mais j’avais toujours ignoré son travail post-Fab Four. J’écoutais activement dans les années 1970 et 1980, et « Live and Let Die » n’était pas pour moi.

Mais il s’avère que je souffrais d’une certaine anti-nostalgie. En tant qu’adolescente et jeune adulte, je pensais que j’étais trop cool pour « My Love » et « Silly Love Song ». Écouter des succès des Wings comme « Let Me Roll It » et des albums solo comme les années 1980, brillants et en avance sur son temps McCartney II m’a fait réaliser que le génie de McCartney m’avait, d’une manière ou d’une autre, aveuglé sur son génie constant ? Il était toujours là, chantant une mélodie fantastique et créant un arrangement accrocheur. J’ai réussi à ignorer 50 ans de superbe musique.

Comme Sir Paul, Ron Carter faisait partie de l’un des groupes les plus remarquables des années 1960, le Miles Davis Quintet qui comprenait également Wayne Shorter, Herbie Hancock et Tony Williams. Ces disques et l’étonnant mélange de mesure du temps post-moderne et de flexibilité harmonique de Carter étaient d’une qualité aveuglante. Il a rendu chaque mesure swing apparemment harmoniquement compréhensible, même lorsque le groupe s’est envolé vers la liberté. Ajoutez à cela des dizaines d’incroyables dates Blue Note pour d’autres leaders sur lesquelles Carter a ancré une section rythmique légendaire (une seule : Hancock’s Maiden Voyage) puis une cuillerée sur les débuts de Carter en 1961 en tant que leader, avec Mal Waldron et Eric Dolphy (Où?), et vous avez un niveau de brillance digne des Beatles.

Dans les décennies qui ont suivi, le jazz a sans doute pris une teinte quelque peu Wings. Carter a continué à jouer et a dirigé des dates CTI oubliables dans les années 1970 qui étaient peut-être un peu enrobées de bonbons. Peut-être que je n’ai pas suivi sa carrière avec autant d’attention. Mais, comme avec McCartney, j’aurais dû. Il y a des joyaux partout. Prendre Patrao à partir de 1980, enregistré dans les studios de Rudy Van Gelder avec une section rythmique brésilienne ensoleillée sur deux pistes et trois coupes avec le piano de Kenny Barron et Jack DeJohnette à la batterie – et Chet Baker à son meilleur lyrique sur chaque piste. 2016 Mon recueil de chansons personnel avec le WDR Big Band est magistral, mettant en vedette Carter non seulement en tant que joueur, mais aussi en tant que compositeur excellent, en effet profondément sous-estimé. La version de son classique « Little Waltz » avec WDR est presque déchirante. Ron Carter, est-ce vraiment possible que je t’ai sous-estimé ?

Pour couronner le tout, des anecdotes rapportées publiquement et certaines histoires que j’ai entendues de mes amis suggèrent que Paul McCartney et Ron Carter sont des gens gentils et généreux, pas des égo-maniaques, malgré leur talent monstrueux. Le destin leur a accordé une vie longue, saine et productive, faisant de l’art du plus haut calibre avec peu d’interruption. Comptez-moi de plus en plus reconnaissant.