Critique de livre : la collection d’essais de BN Goswamy se délecte de conversations émouvantes sur l’art


Le dernier livre de BN Goswamy, une collection de 125 essais sélectionnés dans sa chronique bimensuelle « Art and Soul » dans Le Tribunemmène à la découverte du monde de l’histoire de l’art.

BN Goswamy est l’une de ces rares universités d’histoire de l’art à un seul homme qui peut insuffler la vie même à un objet apparemment inerte, obscur et cryptique. Il peut lui donner vie avec une lueur et une luminosité cachées jusqu’alors invisibles. Tandis que le regard est pénétrant, la voix est douce, toujours duveteuse, et les mots coulent sur des ailes vaporeuses, enfilées comme les grains d’un chapelet.

Conversations : le principal historien de l’art de l’Inde aborde 101 thèmes et plus, son dernier livre, est exactement comme ça. On ouvre une feuille sans savoir dans quel voyage de découverte le vénérable « Dr Sahib », comme on l’appelle affectueusement, va nous entraîner. Le voyage, d’un hasard taquin, est une collection de 125 essais sélectionnés dans sa chronique bimensuelle « Art and Soul » qui a été publiée dans The Tribune pendant deux décennies.

Ayant grandi avec le journal et n’ayant jamais manqué une colonne, je pensais que le livre serait un peu du déjà-vu. La surprise est qu’il s’avère être un nouvel avatar distillé unique. Je ne sais pas si c’était parce qu’il s’agissait de renouer avec une pensée classique, dont la date de péremption n’existe jamais, ou peut-être parce que la patine du temps embellissait les essais d’une couche d’intemporalité encore plus riche.

En tant que polymathe, Goswamy relie l’art à d’autres dimensions de l’effort humain, de la créativité et du génie avec facilité et bonheur. Et toujours avec un détachement doux et sans hâte des palimpsestes qui voilent des joyaux cachés sous les profondeurs qui manquent à l’œil ordinaire. Qu’il s’agisse d’une œuvre d’une miniature pahari, d’un classique de la Renaissance ou d’un sceau harappéen, le cachet de son érudition et de ses idées exprimées dans une douce poétique est fascinant.

Qu’il s’agisse d’une conférence devant un public universitaire averti, d’une table ronde intime ou simplement d’une conversation nocturne au coin du feu, sa diffusion du savoir ne perd jamais ses cadences cristallines. Son érudition, comme le révèlent les essais, est formidable, mais accessible. En fait, tout ce qui touche au monde de l’art – collectionneurs, connaisseurs, conservateurs, cartographes ou musées – tombe dans son domaine de partage avec l’esprit curieux.

Comment ça a commencé

La genèse des essais a eu lieu en 1995 lors d’une conversation informelle que Goswamy a eue un jour avec Hari Jaisingh, alors rédacteur en chef de Le Tribun. Jaisingh lui a parlé du désir du journal d’« élargir la clientèle des lecteurs en matière d’art », mais qu’il n’avait nulle part où aller. N’importe quoi, n’importe quoi écrit sans jargon aurait de la valeur, a-t-il dit. La colonne est donc lancée, et près de 600 plus tard, et toujours en comptant, elle est très attendue tous les quinze jours.

« Le titre permanent que j’ai choisi pour la colonne était » Art et âme « , retirant deux lettres de » Cœur « et ajoutant de l’âme… L’ajout m’a donné l’occasion de regarder les choses autour de moi et d’ajouter un commentaire », se souvient Goswamy. Ce sont, comme il le décrit lui-même avec effacement, « de légères esquisses de grandes choses ». Mais ils sont un peu plus que ce que je soupçonne. S’adressant au lecteur, ce sont aussi des monologues à lui-même : ruminations, réflexions et interrogations sur la finalité même de l’art.

Le premier essai est à juste titre un portrait à la plume d’Anand Kentish Coomaraswamy, le doyen incontesté de l’art indien dont les écrits pionniers inspirants l’ont ouvert au monde entier et ont également apporté une profonde érudition à sa compréhension. « Il écrivait comme un ange. Qui pourrait égaler sa brillance ou sa perspicacité ? » Son essai « La danse de Shiva » et les pensées inquiétantes qu’il soulève dans le livre Pourquoi exposer des oeuvres d’art sont des classiques dans les annales de l’histoire de l’art.

Parmi les autres grands spécialistes et mécènes de l’art indien figurent les essais de Goswamy sur Karl Khandalawala, WG Archer, Eberhard Fischer, Gautam et Gira Sarabhai, et Mulk Raj Anand. En plus de souligner leur formidable contribution, Goswamy pimente également les croquis des personnages avec des cordiers ironiques qui révèlent leurs faiblesses humaines et leurs bizarreries intellectuelles, sans aucune méchanceté bien sûr.

Conversations est rempli de voyages à l’ère gracieuse des beaux-arts. Dans « A Lamp of Wisdom », nous sommes ramenés aux pages d’A’in-i-Akbari, le magnum opus qu’Abu’l Fazl a écrit pour l’empereur moghol Akbar au 16ème siècle. Goswamy cite le chapitre sur « L’art d’écrire » : « La parole parlée va au cœur de ceux qui sont présents pour l’entendre ; la lettre donne la sagesse à ceux qui sont proches et lointains. Hélas, l’art de la calligraphie est en train de disparaître à l’ère numérique actuelle. La calligraphie islamique est « un jardin de délices » qui doit être exploré et chéri.

Étroitement liée à la peinture et à la littérature, l’invention du papier, support de la documentation et de l’art. Bien avant la création du papier, des textes anciens, des documents juridiques, des décrets royaux, etc., étaient enregistrés sur des feuilles de palmier ( bhurja-patra) et l’écorce de bouleau ( tada-patra) en Inde, et sur papyrus, kaghaz, ou parchemin dans les mondes arabe et occidental. Le papier tel que nous le connaissons est venu des Chinois, mais le procédé pour le fabriquer est resté secret chez eux. En Inde, la diffusion du papier a été rapide et de grands centres de production sont apparus au Cachemire, à Sialkot et à Daultabad (dans le Deccan). Zafarabad dans l’Uttar Pradesh produisait tellement de papier qu’il lui a valu le surnom de kaghazshahar.

Il n’y a rien lié à l’art et à son expérience qui échappe à Goswamy. Au-delà des modèles occidentaux de musées et de leurs configurations d’affichage, il pose la question suivante : s’il était possible d’identifier l’unicité du sens indien du design, serait-il possible de le refléter dans un musée indien ? Le musée le plus proche de cela, dit-il, est le Calico Museum of Textiles à Ahmedabad, Gujarat. La vision de Gautam et Gira Sarabhai, les fondateurs du musée, d’exposer la richesse des textiles indiens dans un cadre indigène unique de façades en bois sculpté et de plâtre de boue donne un sentiment d’intégrité de conception et offre une expérience indienne unique.

En parlant de musées, leur principale source de nouvelles acquisitions sont les marchands d’art. Goswamy a aussi une histoire à ce sujet. Rappelant une époque antérieure où il y avait une abondance de peintures et de manuscrits Pahari au Pendjab, la plupart des marchands étaient basés à Lahore. Laissant de côté les marchands d’art réguliers comme le Hongrois Imre Schwaiger, il y avait le célèbre marchand S. Bahadur Shah, qui dirigeait un établissement avec l’appellation grandiloquente, bien que mal orthographiée, de « marchand de qurosités ». De nombreux marchands d’autrefois étaient remarquablement ignorants de leurs collections et certains étaient même absolument analphabètes. Mais ils avaient un œil aiguisé pour le précieux. Le connaisseur d’art Karl Khandalavala a appelé l’un d’eux, Radha Krishna Bharany d’Amritsar, « le prince parmi les marchands d’art ».

Arbre vivant

Tout comme la plupart des gens engagés dans le monde de l’art, le motif « Arbre de vie » intrigue également Goswamy. Symbole qui apparaît sous une forme ou une autre dans toutes les parties du monde, des bronzes indiens du XVe siècle au tapis persan en passant par la peinture moghole de «l’arbre qui parle», ses racines sont plus profondes dans le temps. Il trouve son origine dans le symbolisme de la civilisation maya représentant l’axis mundi, le centre stable du monde. Dans la tradition égyptienne et juive, il atteint sa propre signification, mais son omniprésence est omniprésente dans l’imagination humaine. En fait, dans le sous-continent indien, il refait surface sous le nom de « l’arbre de la vie et de la connaissance » dans un bronze du XVIIe siècle.

Le motif

Le motif « Arbre de vie » sur les tentures murales d’art de Kalamkari. | Crédit photo : T APPALA NAIDU

L’œuvre d’art la plus poignante du livre est « The Intimations of Mortality », qu’Abu’l Hasan a réalisée pour l’atelier de Jehangir. Il s’agit d’une représentation d’« un vieil homme aux pieds nus qui s’appuie sur son bâton et avance. Le corps porte les marques des ravages du temps : le dos courbé… la charpente maigre desséchée. Mais l’esprit, comme les yeux, est toujours vif… », écrit Goswamy. Le travail est techniquement brillant, mais la peinture va bien au-delà. Il véhicule une universalité de la condition humaine : les présages de la mortalité, mais le commencement d’un nouveau commencement. Il cite le grand poète ourdou Sardar Ja’fri et son grand poème « Mera Safar » pour transmettre l’énigme existentielle : « la venue du jour où l’œil s’assombrira, les lotus de la main se faneront et tous les papillons du son … sur ma langue s’envolera ».

Le passage est un apt sur lequel fermer Conversations pour l’instant; pourtant on aura envie d’y revenir encore et encore.

Rajnish Wattas est un ancien directeur du Chandigarh College of Architecture et ancien vice-président de Chandigarh Sahitya Akademi. Il a co-écrit Arbres de Chandigarh et Sukhna : Sublime lac de Chandigarh.

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